091 fue un grupo de música rock de Granada (España), activo entre 1982 y 1996. Su música mezcla el rock crítico y con garra con el carácter intelectual y literario típico de la ciudad.
Historia
Tomando como curioso nombre el número empleado para llamar a la Policía Nacional de España, la banda 091 dio sus primeros conciertos por toda Andalucía a comienzos de los años 1980, haciendo gala de un estilo potente y agresivo. Poco después, comezaron a tocar en Madrid y grabaron sus primeros sencillos.
Su primer álbum, Cementerio de automóviles, llegó en 1984, siendo editado por DRO. Sin continuidad con esta discográfica, su segundo disco de larga duración, Más de cien lobos, tardó dos años en llegar, editado en esta ocasión por Discos Zafiro. En su producción artística participó Joe Strummer, componente de The Clash, que había pasado largas temporadas viviendo en Granada y se había hecho amigo de los miembros de 091.
Los siguientes trabajos con Discos Zafiro se sucedieron con mayor continuidad. Se trata de Debajo de las piedras (1988) y Doce canciones sin piedad (1989),
en los que destacan los sonidos de las guitarras y las letras de
Lapido. El bajista Antonio Arias dejó la formación tras la grabación de
este último álbum para emprender un nuevo proyecto con Lagartija Nick.
En 1991, la banda granadina regresó como trío con el álbum El baile de la desesperación,
más dirigido al gran público, y en el que colaboró el guitarrista Chris
Wilson, miembro de Flamin' Groovies. Su siguiente trabajo, Tormentas imaginarias, llegó en 1993 de la mano de la multinacional Polydor pero, después de no alcanzar con el mismo el éxito deseado, grabaron el que sería su último disco de estudio, Todo lo que vendrá después, con la discográfica independiente andaluza Big Bang.
En 1996, tras 15 años de trabajo, el grupo dio su último concierto en Maracena (Granada), plasmándose este directo en un disco doble llamado Último concierto.
David Bowie (pronunciado /ˈboʊ.iː/;3 nacido con el nombre de David Robert Jones el 8 de enero de 1947) es un músico y compositor de rockbritánico, quien ha ejercido a su vez de actor, productor discográfico y arreglista.
Figura importante de la música popular durante más de cinco décadas,
Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.45
A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al Top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andróginoálter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular».6
La relativamente corta vida de Ziggy probó ser sólo una faceta de una
carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y
presentaciones visuales de todo tipo.
Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo «Fame», co-escrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul).
El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho
famoso en el Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su
discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalistaLow (1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el Top 5 británico, además de que recibieron elogios de la crítica.
Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de
1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 Let's Dance, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No ha salido de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se ha presentado en vivo desde 2006. Su más reciente disco The Next Day salió al mercado en marzo de 2013.
Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura
popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura
pública».6 En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC
de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número
29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su
carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de
plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados
Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien artistas de rock más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.78
David Bowie nació como David Robert Jones en Brixton, Londres, el 8 de enero de 1947. Su madre, Margaret Mary «Peggy» (apellido de soltera Burns), de ascendencia irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine, mientras que su padre, Haywood Stenton «John» Jones, era un dirigente de publicidad de la ONGBarnardo's. Vivían en el 40 de Stansfield Road, situado cerca de los barrios del sur de Londres de Brixton y Stockwell. Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años de edad, donde se ganó una reputación de niño superdotado y decidido, además de rebelde y peleón.910
En 1953, la familia se mudó a otro barrio cercano, Bromley, donde dos años después Bowie inició clases en el Burnt Ash Junior School. Consideraron su voz «adecuada» para el coro de la escuela y su manera de tocar la flauta se consideró por encima de lo normal en cuanto a habilidades musicales.11
A los nueve años de edad, su forma de bailar resultaba increíblemente
imaginativa: los profesores dijeron de sus interpretaciones que eran
«vistosamente artísticas» y que su porte era «sorprendente» para un niño
de su edad.11 Ese mismo año, su interés en la música se vio reforzado cuando su padre trajo a casa una colección de discos de vinilo de 45 RPM de artistas como Frankie Lymon and the Teenagers, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y Little Richard.1213 Sobre el momento en que escuchó la canción «Tutti Frutti», Bowie dijo después que «había escuchado a Dios».14 El impacto que Presley produjo en el niño fue grande: «Vi a una de mis primas bailar al ritmo de [...] "Hound Dog"
y nunca la había visto levantarse y moverse tanto por nada. Realmente
me impresionó el poder de la música. Justo después de eso comencé a
adquirir discos».13 Para finales del siguiente año había comenzado a tocar el ukelele y el bajo tea-chest (fabricado con una sola cuerda y una de las cajas utilizadas para transportar té) y comenzó a participar en sesiones de skiffle con algunos amigos y, además, a tocar el piano; mientras tanto, sus actuaciones imitando a Presley y Chuck Berry, que hacía como tributo a los artistas, para su grupo de boy scouts fueron descritas como «fascinantes [...] como de otro planeta».13 Al suspender el examen final de primaria en el colegio Burnt Ash Junior, Bowie se cambió al Ravens Wood School.15 Según el biógrafo Christopher Sandford, esta era una escuela un tanto inusual:
«A pesar de su prestigio era, en la época en que llegó David en 1958,
tan rica en rituales arcanos como cualquier otra escuela pública
británica. Tenía casas con nombres de hombres de estado del S. XVIII como Pitt y Wilberforce.
Usaban uniforme y poseían un elaborado sistema de premios y castigos.
Ponían gran énfasis en los idiomas, la ciencia y el diseño, por lo que
florecía una atmósfera universitaria bajo la tutoría de Owen Frampton.
Según David, Frampton priorizaba la personalidad por encima del
intelecto; sus compañeros de Bromley Tech no eran famosos por ninguna de
las dos e incitaban a los alumnos más talentosos a encaminarse a las
artes. Era un sistema tan liberal que Frampton animó a su propio hijo, Peter, que buscase iniciar una carrera musical con David, una asociación intacta treinta años después».15
Bowie estudió arte, música y diseño, como así también trazado y
composición tipográfica. Después de que Terry Burns, su hermanastro, le
introdujese en el mundo del jazz moderno, su entusiasmo por artistas como Charles Mingus y John Coltrane llevaron a su madre a regalarle un saxofón alto de plástico en 1961; poco después comenzó a recibir clases de un músico local.16
En 1962 tuvo un incidente en el colegio cuando su amigo George
Underwood, que tenía puesto un anillo en el dedo, le propinó un puñetazo
en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los médicos
temieron que fuese a perder la vista en ese ojo, por lo que tuvo que
ausentarse del colegio mientras le hacían una serie de operaciones
durante una hospitalización de cuatro meses.17 El daño no se pudo enmendar del todo, dejándole con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente (por lo que parece que tiene ojos de distinto color,
aunque los dos iris tienen el mismo tono). A pesar de sus rencillas,
Underwood y Bowie siguieron siendo buenos amigos, e incluso Underwood
llegó a diseñar las portadas de los primeros discos de Bowie.18
1962–1968: de The Kon-rads a The Riot Squad
Cuando pasó de su saxo de plástico a un instrumento real en 1962,
Bowie formó su primera banda a los quince años. Kon-rads, con una
formación que variaba desde cuatro hasta ocho miembros, entre ellos
Underwood, tocaba rock and roll basado en la guitarra, en reuniones de jóvenes y bodas.19
Cuando Bowie abandonó la escuela al año siguiente, le comentó a sus
padres su intención de convertirse en una estrella del pop. Sin embargo,
su madre le consiguió rápidamente un empleo como ayudante de
electricista. Frustrado por las pocas aspiraciones de sus colegas de la
banda, Bowie dejó Kon-rads para formar una nueva banda: King Bees.
Escribió una carta al nuevo empresario de éxito John Bloom para pedirle:
«Haz por nosotros lo mismo que ha hecho Brian Epstein para The Beatles,
y de paso haz un millón más». Bloom no respondió a la oferta, pero lo
derivó al socio de Dick James, Leslie Conn, quien de esta manera se
convirtió en el primer mánager de Bowie.20
Bowie adoptó su nombre artístico en honor a Jim Bowie, creador del cuchillo Bowie.
Conn comenzó de inmediato a promocionar a Bowie. El sencillo debut del artista, «Liza Jane»,
acreditado a Davie Jones and the King Bees, no tuvo ningún éxito
comercial. Insatisfecho con The King Bees y su repertorio de blues tipo Howlin' Wolf y Willie Dixon,
Bowie abandonó la banda menos de un mes después para unirse a The
Manish Boys, otro grupo de blues, que incorporaban soul y folk: «Solía
soñar con ser su Mick Jagger», recuerda Bowie.20 «I Pity the Fool»
no tuvo más éxito que «Liza Jane» y Bowie tardó poco en moverse
nuevamente y unirse a Lower Third, un trío de blues altamente
infuenciado por The Who. «You've Got a Habit of Leaving»
no tuvo mejor recepción y significó el final del contrato con Conn.
Declaró que iba a abandonar el mundo del pop «para estudiar mímica
en el teatro Sadler's Wells», pero, sin embargo, continuó un tiempo con
Lower Third. Su nuevo mánager, Ralph Horton, culpable en parte de su
posterior traslado a artista en solitario, vio un nuevo cambio de banda
de Bowie, en esta ocasión a The Buzz, con quienes lanzó un nuevo
sencillo poco exitoso llamado «Do Anything You Say». Mientras tocaba con The Buzz, Bowie también se unió a The Riot Squad; sus grabaciones, que incluían una canción de Bowie y diverso material de The Velvet Underground, nunca vieron la luz. Desde aquí, Ken Pitt, que presentó a Bowie por Horton, tomó las riendas de la carrera como mánager.21
Insatisfecho con el nombre artístico de Davy (y Davie) Jones, que a mediados de la década de 1960 invitaba a confusión con Davy Jones de The Monkees, Bowie decidió cambiar su nombre y escogió Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que popularizó.22 Su sencillo en solitario de abril de 1967, «The Laughing Gnome», en el que utilizó una técnica de acelerar las grabaciones vocales al estilo de The Chipmunks, tampoco entró en las listas de venta. Seis meses después lanzó su álbum debutDavid Bowie, un amalgama de pop, rock psicodélico y music hall. Tuvo el mismo resultado, por lo que significó su último lanzamiento en dos años.23
La fascinación de Bowie por lo bizarro se acrecentó cuando conoció al bailarín Lindsay Kemp:
«Vivía de emociones, fue una maravillosa influencia. Su vida diaria fue
lo más teatral que he visto jamás. Era todo lo que yo podía imaginar
que significaba ser bohemio. Me uní al circo».24
Kemp, por su parte, recuerda: «No le enseñé realmente a ser un artista
del mimo, sino a exteriorizarse más a si mismo, [...] Yo le permití
liberar su ángel y demonio interiores».24 Estudiando arte dramático con Kemp, desde teatro avant-garde y mímica hasta comedia del arte,
Bowie se sumergió en la creación de personajes que poder mostrarle al
mundo. Satirizando la vida en una prisión británica, Bowie compuso «Over
the Wall We Go», canción que se convirtió en un sencillo de 1967
interpretado por Oscar; al año siguiente, otra composición de Bowie, «Silly Boy Blue», fue lanzada por Billy Fury.25 Después de que Kemp asignase a Bowie con Hermione Farthingale para un minué
poético, la pareja comenzó a salir; poco después se mudaron juntos a un
apartamento de Londres. Formaron una banda juntos, donde ella tocaba la
guitarra acústica y John Hutchinson, el bajo; entre septiembre de 1968 y
comienzos de 1969, cuando Bowie y Farthingale rompieron, el trío hizo
unos pocos conciertos en los que combinaban folk, merseybeat, poesía y mímica.26
1969–1973: del folk psicodélico al glam rock
De Space Oddity a Hunky Dory
Debido a su poco éxito comercial, Bowie se vio forzado a intentar
ganarse la vida de otras maneras. Apareció en un comercial de helados Lyons Maid, pero fue rechazado en un casting de Kit Kat.27
Con la intención de promocionar al cantante se hizo una película de
treinta minutos de duración con actuaciones de su repertorio, llamado Love You till Tuesday.
A pesar de que no salió a la venta hasta 1984, las sesiones de
grabación se hicieron en enero de 1969 y significaron un inesperado giro
en la carrera del artista cuando Bowie le comentó a los productores:
«Tengo una nueva canción para esa película vuestra». Poco después
produjo un demo de lo que significaría su primer gran éxito, «Space Oddity», lanzado un año después y coincidió con la llegada del hombre a la luna.27 Bowie rompió relaciones con Farthingale poco después de completar la película y se mudó con Mary Finnigan como su inquilino.28
Continuando con la divergencia del rock and roll y blues adquirida
desde sus trabajos con Farthingale, Bowie unió fuerzas con Finnigan,
Christina Ostrom y Barrie Jackson para dirigir un club de folk los
domingos por la noche en el pub The Three Tuns de High Street, Beckenham, Londres.28
Esto pronto se convirtió en el Beckenham Arts Lab y se hizo muy
popular. The Arts Lab organizó un festival gratuito en un parque local,
hecho inmortalizado en la posterior canción de Bowie «Memory of a Free Festival».29 «Space Oddity» se lanzó el 11 de julio, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11 y entró rápidamente en el Top 5 del Reino Unido. El segundo disco de Bowie, Space Oddity, le siguió en noviembre; primeramente se lanzó en el Reino Unido bajo el título David Bowie, pero causó confusión con su predecesor de mismo título, por lo que en el lanzamiento estadounidense se le cambió el nombre a Man of Words/Man of Music.
El álbum repleto de letras post-hippies sobre la paz, el amor y la
moralidad y con música folk rock apoyado en canciones de rock más duro,
no fue un éxito en el momento de su lanzamiento.30
Bowie conoció a Angela Barnett
en abril de 1969 y se casó con ella al año siguiente. Este hecho tuvo
gran impacto sobre él e influyó sobre todo en su carrera, lo que
minimizó la influencia de Pitt.31
Ya que se había establecido como artista en solitario gracias a «Space
Oddity», Bowie comenzó a sentir una carencia: «Una banda completa y
gente con la que grabar con quien pudiese relacionarse personalmente».32 Su punto débil se recalcó debido a su rivalidad artística con Marc Bolan, quién en ese momento era su guitarrista de sesión.32 Formó una banda con John Cambridge, un batería al que Bowie conoció en el Arts Lab, Tony Visconti como bajista y Mick Ronson
como guitarrista. Después de un breve y desastroso comienzo como The
Hype, el grupo volvió a la configuración original en la que se
presentaba a Bowie como artista en solitario.32
Su primer trabajo de estudio se estropeó debido a las diferencias entre
Bowie y Cambridge sobre el estilo de batería de este último; las cosas
se terminaron cuando Bowie, muy enfadado, acusó a éste de estar
«jodiendo su álbum». Debido a esto Mick Woodmansey reemplazó poco después a Cambridge.33 Poco después, Bowie despidió a su mánager y lo reemplazó por Tony Defries. Esto condujo a un largo litigio cuya consecuencia fue que Bowie debió pagarle a Pitt una indemnización.33
Las sesiones de estudio continuaron y dieron como fruto el tercer álbum del cantante, The Man Who Sold the World en 1970. Caracterizado por su sonido de hard rock proveniente de su nueva banda de soporte, fue un cambio radical del rock acústico y de folk de Space Oddity. Para promocionar el disco en Estados Unidos, Mercury Records
financió una gira de entrevistas de costa a costa en la que Bowie,
entre enero y febrero de 1971, concedió entrevistas a los medios y a las
emisoras de radio. Para aprovechar su aspecto andrógino,
la portada original de la versión británica mostraba al cantante
ataviado con un vestido; Bowie llevó la prenda en la serie de
entrevistas que hizo, cosa que agradó a los críticos. John Mendelsohn,
de Rolling Stone le describió como «deslumbrante, casi una desconcertante reminiscencia de Lauren Bacall».
En la calle también provocó todo tipo de reacciones, desde la risa
hasta el ejemplo de un peatón que le sacó un arma y le dijo: «bésame el
culo».3435
Durante esta gira de entrevistas Bowie se fijó en dos influyentes
artistas estadounidenses proto-punk que le dieron la idea de lo que
después sería el personaje de Ziggy Stardust: una mezcla entre Iggy Pop y la música de Lou Reed, lo que dio como resultado «el supremo ídolo del pop».34
Una de sus antiguas novias le recordó «garabateando en una servilleta
sobre una alocada estrella del rock llamada Iggy or Ziggy», y que a su
vuelta a Inglaterra declaró su intención de crear un personaje «que
pareciese que acabase de aterrizar de Marte».34
Para Hunky Dory, álbum de 1971, Visconti, productor y bajista de Bowie, fue sustituido en ambos roles por Ken Scott y Trevor Bolder, respectivamente. Significó el regreso parcial del cantante de pop ligeramente loco de «Space Oddity» en «Kooks», canción compuesta para su hijo, Duncan Zowie Haywood Jones, nacido el 30 de mayo.36 En otras partes, el disco exploró temáticas más serias y contiene inusuales tributos a sus influencias con canciones como «Song for Bob Dylan», «Andy Warhol» y «Queen Bitch», una imitación de Velvet Underground. En su momento no tuvo gran éxito comercial.37
Ziggy Stardust
Con su siguiente empresa, Bowie, en palabras de su biógrafo David
Buckley, «desafió el núcleo de lo que se suponía que era la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el culto más grande de la cultura popular».6 Vestido con un llamativo traje y el cabello tintado de rojo, Bowie puso en marcha su espectáculo como Ziggy Stardust junto a The Spiders from Mars (Ronson, Bolder y Woodmansey) en un pub llamado Toby Jug en Tolworth el 10 de febrero de 1972.38
El espectáculo fue muy popular: le catapultó al estrellato durante su
gira por el Reino Unido en los siguientes meses y creó, como describió
Buckley, un «culto a Bowie» que era «único; su influencia duró más y ha
sido más creativo que, quizá, ningún otro ente dentro del pop».38The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se lanzó en junio de 1972 y combina elementos de hard rock de The Man Who Sold the World y el rock/pop experimental de Hunky Dory. «Starman»
salió a la venta como sencillo en abril y fue la primera piedra del
lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino Unido: tanto el sencillo
como el disco entraron rápidamente en las listas de venta después de su
actuación en julio en el programa musical Top of the Pops. El álbum, que permaneció dos años en las listas de venta, pronto coincidió con Hunky Dory (seis meses anterior), que se vio arrastrado por el éxito de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el mismo momento, los sencillos «John, I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes» (que no fueron extraídos de ninguno de sus discos), éste último compuesto para la banda Mott the Hoople, se convirtieron en éxitos. La gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados Unidos.39
Bowie contribuyó con su voz (coros) en el disco que consolidó a Lou Reed en 1972, Transformer, y coprodujo el disco junto a Ronson.40 Su propio disco de 1973, Aladdin Sane,
llegó al primer puesto de las listas británicas, siendo el primero en
conseguirlo. Bowie describió el disco como «Ziggy va a América» y
contiene canciones compuestas mientras viajaba por los Estados Unidos en
la primera parte de la gira de Ziggy, que después siguió en Japón para promocionar el disco. Aladdin Sane engendró dos sencillos Top 5: «The Jean Genie» y «Drive-In Saturday».4142
El amor de Bowie por la actuación le llevó a meterse completamente en
los personajes que creaba para su música. «Fuera del escenario soy un
robot. En el escenario consigo emocionarme. Eso probablemente explica
por qué prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David». A pesar de todos
estos éxitos, su vida personal encontró varias dificultades: al
interpretar el mismo papel durante largos períodos de tiempo, hizo que
fuese imposible para él separar Ziggy Stardust, y después, The Thin
White Duke, de su propia persona. Bowie llegó a decir que Ziggy «no me
dejó tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse...
Toda mi persona se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso.
Realmente tuve dudas sobre mi cordura».43 Sus actuaciones finales como Ziggy, que incluían canciones de Ziggy Stardust y Aladdin Sane,
eran ultra teatrales y repletas de momentos escandalosos en el
escenario, tales como desnudarse hasta quedar con un taparrabos de luchador de sumo o simular sexo oral con la guitarra de Ronson.44 Bowie siguió de gira y dio conferencias de prensa como Ziggy antes de un abrupto y dramático «retiro» en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. Aparecen imágenes de este concierto en la película de 1983 Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.45
Después de la separación de Spiders from Mars, Bowie intentó seguir adelante alejándose del personaje de Ziggy. Su catálogo musical ya era bastante demandado: The Man Who Sold the World se relanzó en 1972 junto con Space Oddity. «Life on Mars?», de Hunky Dory, se lanzó en junio de 1973 y llegó al puesto número tres de la lista británica de sencillos. «The Laughing Gnome» entró en la misma lista en septiembre, alzándose hasta el puesto número cuatro.46 En octubre salió a la venta Pin Ups, una colección de versiones de sus canciones favoritas de los años 1960 que se posicionó en el puesto número uno de la lista británica de álbumes. Del disco se extrajo el sencillo «Sorrow»
que llegó al puesto número tres, haciendo de David Bowie el artista con
mayores ventas en el Reino Unido de 1973, llegando a tener seis de sus
discos en la lista de ventas al mismo tiempo.47
1974–1976: soul, funk y The Thin White Duke
Bowie en una actuación del 5 de julio de 1974 en el Charlotte Park Centre, Carolina del Norte, durante su gira de Diamond Dogs.
Bowie se trasladó a los Estados Unidos en 1974, donde se instaló primeramente en Nueva York para después mudarse a Los Ángeles.48Diamond Dogs, de 1974, dividido entre el soul y el funk, es el producto de dos ideas distintas: un musical basado en un salvaje futuro en una ciudad postapocalíptica, mezclado con la idea de ponerle música a la obra de George Orwell1984.49
El disco llegó al puesto número uno en el Reino Unido y al puesto
número cinco en Estados Unidos. Se extrajeron dos sencillos: «Rebel Rebel» y «Diamond Dogs». Para promocionar el disco, Bowie comenzó la gira Diamond Dogs Tour, visitando ciudades de Estados Unidos entre junio y diciembre de 1974. La coreografía de la gira corrió a cargo de Toni Basil con efectos especiales muy teatrales. Alan Yentob filmó un documental de alto presupuesto, dando como resultado Cracked Actor, en el que se puede ver a un Bowie escuálido y pálido: la gira coincidió con su paso de consumidor de cocaína a una verdadera adicción, cosa que dio como resultado que estuviese débil, paranoico y emocionalmente inestable.50 Después comentó que el álbum en directo que lo acompañó, David Live, debió de titularse «David Bowie Is Alive and Well and Living Only In Theory» (En teoría David Bowie está vivo y bien y viviendo). A pesar de todo, David Live
solidificó el estatus de Bowie como superestrella, llegando al puesto
número dos en el Reino Unido y al número ocho en Estados Unidos. Además,
su versión del éxito de Eddie Floyd, «Knock on Wood», entró en el Top 10 británico. Después de un descanso en Filadelfia, donde Bowie grabó nuevo material, la gira siguió con un nuevo enfoque hacia el soul.51
El resultado de las sesiones de grabación de Filadelfia es Young Americans
(1975). El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los
años, la mayoría de los roqueros ingleses habían intentado, de una u
otra manera, convertirse en negros por extensión. Pocos habían tenido
éxito como lo tuvo Bowie en ese momento».52 El sonido del álbum, que el cantante identifica como «plastic soul», significó un cambio radical de estilo, cosa que sorprendió a muchos de sus devotos del Reino Unido.53Young Americans supuso el primer número uno de Bowie en Estados Unidos con la canción «Fame», coescrita con John Lennon, quien además contribuyó cantando coros, y Carlos Alomar. Fue uno de los primeros artistas blancos en participar en el show de variedades de la televisión estadounidense Soul Train, donde Bowie cantó haciendo sincronía de labios «Fame» y «Golden Years», sencillo lanzado en octubre.54Young Americans
fue un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, y
una reedición del sencillo de 1969 «Space Oddity» se convirtió en el
primer número uno británico pocos meses después de conseguir la misma
gesta con «Fame» en Estados Unidos.55
A pesar de su establecida fama, Bowie vivía al día. En palabras de su
biógrafo Christopher Sandford: «A pesar de todas sus ventas (más de un
millón de copias sólo de Ziggy Stardust), subsistía esencialmente con dinero suelto».56
En 1975, en una jugada similar a la que le había hecho deshacerse de
Pitt hacía quince años, Bowie despidió a su mánager. Al finalizar los
meses de litigio, como describe Sandford, vio como «millones de dólares
de sus futuras ganancias se entregaban» en lo que fue «un final muy
generoso con Defries», para después «encerrarse en el West 20th Street,
donde por una semana se pudieron oír sus lamentos a través de la puerta
cerrada del ático».56
Michael Lippman, el abogado de Bowie en las negociaciones, se convirtió
en su nuevo representante; Lippman también se llevó una generosa
compensación cuando Bowie le despidió al año siguiente.57 Station to Station, álbum de 1976, introduce un nuevo álter ego de Bowie, «The Thin White Duke»,
sacado de la letra de la canción que da título al disco. El personaje,
visualmente, era una extensión de Thomas Jerome Newton, un
extraterrestre que interpretó ese mismo año en la película El hombre que vino de las estrellas.58Station to Station desarrolla el funk y soul de Young Americans y es un avance del krautrock y música con sintetizadores de sus siguientes lanzamientos. El punto al que había llegado la drogadicción de Bowie se hizo público cuando Russell Harty entrevistó al cantante para su programa London Weekend Television
poco antes del comienzo de la gira de promoción del disco. Poco antes
de que comenzase la entrevista se anunció la reciente muerte del dictadorespañolFrancisco Franco.
Le pidieron a Bowie que cediese tiempo para permitir difundir las
noticias que se generasen al respecto. Se negó, por lo que se comenzó
con la entrevista, dejando para después las noticias provenientes de
España. En la subsiguiente conversación con Harty, como describe el
biógrafo David Buckley, «las palabras del cantante eran prácticamente
ininteligibles durante el tiempo que duró la larga entrevista. [...]
Bowie parecía estar completamente desconectado y era casi incapaz de
decir una frase coherente».59
Su cordura, según una posterior confesión propia, se había enrarecido
debido al consumo de cocaína; sufrió varias sobredosis ese año y su
aspecto físico comenzaba a ser alarmante.5060
Al lanzamiento en enero de 1976 de Station to Station le siguió una gira de tres meses y medio por Europa y Estados Unidos. Con un escenario austero, el Isolar – 1976 Tour incluía canciones del disco, incluyendo la larga y dramática «Station to Station», las baladas «Wild Is the Wind» y «Word on a Wing», y las más funky «TVC 15» y «Stay». La banda que reunió para el álbum y la gira (Alomar [guitarra rítmica], George Murray [bajo] y Dennis Davis
[batería]), siguieron con Bowie lo que quedaba de década. La gira fue
un gran éxito, aunque enfangado por controversias de tipo político. Se
dice que Bowie dijo en Estocolmo
que «el Reino Unido se beneficiaría con un líder fascista», y fue
detenido en las aduanas ruso-polacas por estar en posesión de
parafernalia nazi.61 El tema aún dio más que hablar cuando en mayo llegó a Londres y protagonizó lo que se conoce como el «incidente del Victoria Station». Llegó en un Mercedesdescapotable
y saludó al gentío en una forma que algunos interpretaron como un
saludo nazi, capturado en fotografía y publicado en la revista NME. Bowie alegó que simplemente el fotógrafo le había cazado a mitad del saludo con la mano.62 Más adelante culpó de sus comentarios profascistas de aquella época a sus adicciones y al personaje de Thin White Duke.63 «Estaba fuera de mí, totalmente loco. Estaba muy metido en la mitología... todo eso de Hitler y la derecha... Había descubierto al Rey Arturo...».60 Según el dramaturgo Alan Franks en un artículo en The Times, «estaba realmente "desquiciado". Tuvo unas muy malas experiencias con las drogas duras».64
1976–1979: Berlín
Bowie actuando en Oslo el 5 de junio de 1978.
Bowie se mudó a Suiza en 1976 y adquirió allí un chalet en las montañas al norte del lago Lemán.
En ese nuevo entorno, su consumo de cocaína aumentó; también creció su
interés por conseguir metas fuera de su carrera musical. Comenzó a
pintar, llegando a producir bastantes piezas posmodernas.
Cuando estaba de gira dibujaba bocetos en un cuaderno y fotografiaba
todo lo que creía que después le serviría de referencia para pintar.
Visitaba galerías de arte en Génova y frecuentaba el Museo Brücke de Berlín, por lo que, en palabras de su biógrafo Christopher Sandford se convirtió en «un prolífico productor y coleccionista de arte contemporáneo. [...] No sólo se convirtió en un conocido cliente de arte expresionista, sino que encerrado en Clos des Mésanges comenzó unos cursos intensivos de música clásica y literatura, además de comenzar a trabajar en una autobiografía».65
Antes de finalizar 1976, el interés de Bowie en la floreciente escena
musical alemana, además de su adicción a las drogas, le llevó a mudarse
a Berlín Oeste para desintoxicarse y revitalizar su carrera. Compartía piso con Iggy Pop en Schöneberg y comenzó a trabajar con Brian Eno,
enfocándose en música ambiental y minimalista, dando comienzo así al
primero de tres álbumes, coproducidos con Tony Visconti, que más
adelante se conocerían como la «Trilogía de Berlín»666768 («Berlin Trilogy»).69 Durante esa misma época, Iggy Pop completó su álbum debut, The Idiot, con Bowie como músico y coescritor, y su continuación, Lust for Life, y salió de gira por el Reino Unido, Europa y Estados Unidos entre marzo y abril de 1977.70Low (1977), parcialmente influido por el sonido Krautrock de bandas como Kraftwerk y Neu!,
evidencia un cambio en la forma de componer de Bowie, cambiando de un
método narrativo a una forma musical más abstracta donde las letras son
esporádicas y opcionales. Cuando salió al mercado recibió críticas
negativas; fue un lanzamiento que RCA,
ansiosa por mantener su empuje comercial, no recibió de buena gana, y
que el exmánager de Bowie, Tony Defries, quién aún tenía intereses
financieros en los asuntos del cantante, intentó impedir. A pesar de las
predicciones, de Low se extrajo el sencillo «Sound and Vision», que se posicionó en el número tres de la lista británica. El álbum, en el Reino Unido, superó en ventas a su predecesor Station to Station, llegando al puesto número dos de las listas. En 1992, el compositor contemporáneo Philip Glass describió Low como la «obra de un genio» y lo utilizó como base de su Symphony No. 1 "Low"; posteriormente, Glass usó el siguiente disco de Bowie para su obra de 1996 Symphony No. 4 "Heroes".7172 Glass elogió a Bowie y su facilidad para crear «piezas de música bastante complejas, enmascaradas como piezas sencillas».73
Bowie conversando con el ingeniero de sonido Eduard Meyer en Berlín en 1977.
El segundo disco de la trilogía, "Heroes",
aunque contiene el concepto de música minimalista e instrumental,
incorpora más pop y rock, debido en parte de la colaboración del
guitarrista Robert Fripp. Al igual que Low, "Heroes" pone de manifiesto el zeitgeist de la Guerra Fría, simbolizada en la dividida ciudad de Berlín.74 Incorporando sonidos de ambiente de una variedad de fuentes incluyendo ruido blanco, sintetizadores y un koto, el álbum volvió a ser un éxito, llegando al número tres en el Reino Unido. La canción que da título al disco,
a pesar de sólo llegar al puesto número 24 de la lista de sencillos
británica, se ganó una duradera popularidad, por lo que en pocos meses
se habían lanzado versiones en alemán y en francés.75 A finales de año, Bowie interpretó la canción en el programa televisivo de Marc BolanMarc, y dos días después en un especial navideño de Bing Crosby, donde se unió a Crosby para cantar «Peace on Earth/Little Drummer Boy», una versión de «The Little Drummer Boy» con un nuevo verso contrapuntual.
Cinco años después, esta versión a dúo se convirtió en un éxito,
llegando al puesto número tres de las listas británicas el día de
navidad de 1982.76
Después de terminar Low y "Heroes", Bowie pasó la mayor parte de 1978 con su gira Isolar II,
llevando la música de los dos primeros discos de la «Berlin Trilogy» a
casi un millón de personas en unos setenta conciertos en doce países.
Llegado a este punto había dejado de lado su problema con las drogas; el
biógrafo David Buckley escribió que Isolar II fue «la primera gira en
cinco años en que Bowie no se había anestesiado con copiosas cantidades
de cocaína antes de subir al escenario. [...] Sin olvidarse de los
problemas que le habían causado las drogas, ahora se encontraba en un
estado mental lo suficientemente bueno para volver a querer hacer
amistades».77 Las grabaciones de esta gira dieron como resultado el álbum en directo Stage, lanzado al mercado ese mismo año.78
La pieza final de lo que Bowie llamó su «tríptico», Lodger (1979), evita la naturaleza minimalista y ambiental de los dos anteriores, añadiendo un retorno parcial del rock de guitarra y batería de su época anterior a Berlín. El resultado es una mezcla compleja de new wave y world music, incorporando también escalas musicales orientales provenientes de la región del Hiyaz. Algunas de las pistas se compusieron usando una baraja de Oblique Strategies (un juego de cartas con frases que debían de seguir) creadas por Eno y Peter Schmidt:
«Boys Keep Swinging» implicó que los miembros de la banda tuvieran que
cambiar sus instrumentos entre ellos, «Move On» usa los acordes
de la canción de Bowie «All the Young Dudes» tocadas al revés, mientras
que «Red Money» utiliza partes de «Sister Midnight», una canción
compuesta anteriormente con Iggy Pop.79 El disco se grabó en Suiza. Antes de su lanzamiento, Mel Ilberman de RCA dijo: «Sería justo llamarlo el Sergeant Pepper de Bowie [...] un álbum conceptual que describe al lodger
(«el inquilino») como un trotamundo sin hogar, rechazado y victimizado
por las presiones de la vida y la tecnología». Christopher Sandford lo
describe diciendo: «El disco era tan esperado con sus elecciones tan
dudosas, y la producción significó el final de la asociación de Bowie
con Eno, después de quince años». Lodger llegó al puesto número
cuatro en el Reino Unido y al veinte en Estados Unidos y arrojó dos
exitosos sencillos en el Reino Unido, «Boys Keep Swinging» y «DJ».8081
Hacia finales de año, Bowie y Angela decidieron divorciarse, y tras
meses de batallas judiciales su matrimonio terminó a comienzos de 1980.82
1980–1989: de estrella a superestrella
«"Under Pressure" surgió por casualidad, David vino a vernos al
estudio, [...] comenzamos a juguetear juntos con algo y todo salió de
manera muy espontánea y rápida. [...] Fue un verdadero placer trabajar
con [él], posee un enorme talento».
—Freddie Mercury sobre su colaboración con Bowie en el sencillo.83
De Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) se extrajo un sencillo número uno, «Ashes to Ashes», que incluye el trabajo de texturas de guitarra-sintetizador llevado a cabo por Chuck Hammer
y que vuelve a utilizar el personaje de Major Tom de «Space Oddity». La
canción sirvió para mostrar en forma internacional el movimiento new romanticunderground de cuando Bowie visitó el club de Londres «Blitz» (el sitio new romantic de moda) para contratar a algunos de los miembros regulares (incluyendo a Steve Strange de la banda Visage) para actuar en el videoclip de la canción, célebre por ser uno de los más innovadores de la época.84 Aunque para Scary Monsters
utilizó algunos de los principios de los álbumes de Berlín, los
críticos lo consideraron mucho más directo musical y líricamente. La
parte hard rock del disco incluye llamativas contribuciones de guitarra
de Robert Fripp, Pete Townshend, Chuck Hammer y Tom Verlaine.85
A la vez que «Ashes to Ashes» llegaba al número uno en el Reino Unido,
Bowie comenzó un trabajo de tres meses protagonizando la obra The Elephant Man en Broadway.86
Bowie se asoció con Queen en 1981 para colaborar en el sencillo «Under Pressure». El dúo fue un éxito, convirtiéndose así en el tercer número uno de Bowie en el Reino Unido. Ese mismo año, hizo un cameo en la película alemana Christiane F.,
una historia real de drogadicción adolescente en la Berlín de los años
1970. La banda sonora, repleta de música de Bowie, se lanzó con el
título de Christiane F. pocos meses después. Bowie también protagonizó la adaptación televisiva de la obra de Bertolt BrechtBaal, hecha por la BBC en 1981. Coincidiendo con la retransmisión, se lanzó un EP de cinco canciones de la obra, grabados en Berlín, bajo el título de David Bowie in Bertolt Brecht's Baal. En marzo de 1982, un mes antes del estreno de la película de Paul SchraderCat People, se lanzó como sencillo la canción homónima de Bowie, «Cat People (Putting Out Fire)», que llegó a ser un éxito menor en Estados Unidos y entró en el Top 30 británico.87
Bowie en 1983 en la gira "Serious moonlight"
Bowie llegó a otro punto álgido de su carrera con el éxito comercial de Let's Dance (1983), coproducido por el integrante de ChicNile Rodgers, que se convirtió en disco de platino tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Sus tres sencillos entraron en el Top 20 de ambos países, donde la canción que da título al disco llegó al puesto número uno. «Modern Love» y «China Girl»
llegaron al número dos en el Reino Unido, acompañados de sus
respectivos videoclips que, como describe el biógrafo David Buckley,
«eran totalmente absorbentes y activaron arquetipos claves para el mundo
del pop. «Let's Dance», con su poca narrativa enfocada en una joven
pareja de aborígenes,
se centra en la juventud, mientras que «China Girl», con su escena de
amor (luego parcialmente censurada) playero con los culos al aire
(homenaje a la película From Here to Eternity), era lo suficientemente provocativa sexualmente para garantizar que MTV
la emitiese con frecuencia». Para 1983, Bowie ya se había convertido en
uno de los más importantes realizadores de videos musicales de su
época. Para promocionar Let's Dance se embarcó en la gira mundial Serious Moonlight, en la que se hizo acompañar del guitarrista Earl Slick y los coristas Frank y George Simms. La gira duró seis meses y tuvo una gran recepción.88 Tonight (1984), también enfocado al baile, contó con la colaboración de Tina Turner y, una vez más, Iggy Pop. Contiene varias canciones versionadas, entre ellas el éxito de 1966 de The Beach Boys «God Only Knows». Además, contiene el éxito transatlántico «Blue Jean», inspiración para el cortometraje Jazzin' for Blue Jean, por el que Bowie ganó un premio Grammy en la categoría de Mejor video musical. Bowie actuó en el estadio de Wembley en 1985 como parte de Live Aid, una serie de conciertos benéficos llevados a cabo en diversos sitios del mundo para intentar paliar el hambre en Etiopía. Durante el evento se estrenó un sencillo con fines benéficos a dúo con Mick Jagger, «Dancing in the Street», que llegó al puesto número uno de ventas en su primera semana. Ese mismo año, Bowie se asoció con Pat Metheny Group para grabar «This Is Not America», como parte de la banda sonora de The Falcon and the Snowman. Lanzado como sencillo, la canción entró en el Top 40 en Estados Unidos y el Reino Unido.89
Bowie actuando en el Glass Spider Tour de 1987.
Bowie obtuvo un papel en la película de 1986 Absolute Beginners.
La película no fue bien recibida por la crítica, aunque la canción que
compuso para ella llegó al puesto número dos de la lista de sencillos
británica. También interpretó a Jareth, Rey de los Goblins, en la
película de Jim HensonLabyrinth, también de 1986, para cuya banda sonora compuso cinco canciones.
Su último álbum de estudio de la década fue Never Let Me Down
de 1987, en donde se deshizo del sonido ligero de sus dos anteriores
discos, ofreciendo en su lugar rock más duro con puntos de industrial/techno. El disco se posicionó en el puesto número seis de la lista británica. Se extrajeron los sencillos «Day-In, Day-Out» (su sencillo número 60), «Time Will Crawl» y «Never Let Me Down». Bowie declaró después que considera el álbum su «punto más bajo», diciendo que es «un disco horrible».90 Para promocionar Never Let Me Down, después de nueve shows para la prensa, comenzó su gira Glass Spider el 30 de mayo, que constó de 86 conciertos. En esta ocasión Bowie contó con Peter Frampton como guitarrista líder. La crítica difamó la gira diciendo que estaba sobreproducida y que se hizo para complacer la moda de arena rock con sus efectos especiales y bailes.91
Bowie dejó de lado su carrera solista en 1989 para pasar a formar
parte de una banda por primera vez desde comienzos de la década de 1970.
Surgió un cuarteto de hard rock, Tin Machine, después de que comenzara a experimentar con el guitarrista Reeves Gabrels. La formación se completó con Tony y Hunt Sales,
a quienes conocía desde finales de la década de 1970 por su
participación (como batería y bajista, respectivamente) en el álbum de Iggy Pop de 1977 Lust For Life.92
Aunque intentó que el grupo funcionara como una democracia, Bowie se
imponía, tanto en la composición de canciones como en la toma de
decisiones.93 Su álbum debut, Tin Machine
(1989) fue inicialmente popular, aunque sus letras politizadas no
encontraron aprobación universal: Bowie describió una de las canciones
como «simplista, tímida, radical sobre la insurgencia de los neonazis». Desde el punto de vista del biógrafo Cristian Standford: «Se necesita valor para denunciar las drogas, el fascismo y la televisión [...] en términos que alcanzaron el nivel literario de un libro de historietas».94EMI se quejó de «las letras predicadoras», de las «melodías repetitivas» y la «producción minimalista o inexistente».95 Sin embargo, el álbum alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido.94 La primera gira mundial
de Tin Machine fue un éxito comercial, pero empezó a aparecer cierta
reticencia (entre críticos y fanáticos) a aceptar a Bowie como un simple
miembro de una banda.96
Una serie de sencillos de la banda no llegaron a entrar en las listas y
Bowie, tras un desacuerdo con EMI, abandonó la discográfica.97 Como su público y los críticos, el mismo Bowie comenzó a sentirse incómodo como integrante de un grupo.98
Tin Machine comenzó a trabajar en un segundo álbum, pero Bowie puso en
espera la iniciativa y regresó a trabajar en solitario. Interpretando
sus viejos éxitos durante su gira de siete meses Sound+Vision Tour encontró nuevamente éxito comercial y aclamación de la crítica.99
En octubre de 1990, una década después de su divorcio con Angela, un amigo en común le presentó a la supermodelo somalíIman.
Sobre esto, Bowie afirmó: «Estaba pensando en el nombre de nuestros
futuros hijos la misma noche en que nos conocimos [...] fue
absolutamente inmediato». Se casaron en 1992.100
Tin Machine reanudó el trabajo ese mismo mes, pero el público y los
críticos, decepcionados por el primer álbum, no mostraron ningún interés
en el segundo. La publicación de Tin Machine II
fue marcada por una amplia campaña de publicidad y un gran conflicto
acerca de la portada: después de que la producción comenzara, Victory,
su nueva discográfica, consideró la imagen de los cuatro integrantes de
la banda desnuda en poses artísticas (que Bowie consideraba «de gusto
exquisito») «una muestra de imágenes obscenas y equivocadas», por lo que
requirieron de un aerógrafo y parches para ocultar el sexo de las figuras.101 La banda salió de gira una vez más, pero después de que su álbum en directo Tin Machine Live: Oy Vey, Baby fracasara comercialmente, la banda se separó y Bowie, aunque siguió colaborando con Gabrels, retomó su carrera solista.102
En abril de 1992, Bowie participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, en honor al líder de Queen fallecido un año antes. Además de interpretar «Heroes» y «All the Young Dudes», tomó parte en la interpretación de «Under Pressure» junto a Annie Lennox, quien hizo la parte vocal que correspondía a Mercury.103 Cuatro días después, Bowie se casó con Iman en Suiza. Con la intención de mudarse a Los Ángeles, viajaron en busca de una propiedad adecuada, pero se vieron obligados a permanecer confinados en su hotel, bajo toque de queda, debido al comienzo de los disturbios de Los Ángeles ese mismo día. Finalmente, se establecieron en Nueva York en su lugar.104
En 1993 salió a la venta su primer lanzamiento en solitario tras la separación de Tin Machine, Black Tie White Noise, con influencias de soul, jazz y hip hop. Haciendo amplio uso de instrumentación electrónica, el álbum, en el que Bowie se reunió con el productor de Let's Dance, confirmó el regreso del cantante a la popularidad, ocupando el primer puesto en las listas de álbumes británicas y generando tres sencillos que llegaron a ocupar un puesto en el Top 40, incluyendo la canción «Jump They Say».105 Bowie exploró nuevas direcciones con The Buddha of Suburbia (1993), la banda sonora de la adaptación para una serie televisiva basada en la novela de Hanif Kureishi. Contenía algunos de los nuevos elementos presentes en Black Tie White Noise y significó un cambio hacia el rock alternativo. Recibió críticas muy favorables, a pesar de sólo posicionarse en el número 87 de las listas de venta del Reino Unido.106
Reuniendo a Bowie con Brian Eno, el industrial Outside
(1995) fue inicialmente concebido como el primer volumen de una
narración no lineal sobre arte y asesinatos. Con personajes de una
historia corta escrita por Bowie, el álbum tuvo éxito en Estados Unidos y
el Reino Unido y contiene tres sencillos que entraron en el Top 40 de la UK Singles Chart.107 En una decisión que provocó una reacción mixta entre críticos y fanáticos, Bowie decidió que Nine Inch Nails lo acompañara en su Outside Tour. La gira, en la que visitaron ciudades de Europa
y Norteamérica durante septiembre de 1995 y febrero del año siguiente,
significó la vuelta de Gabrels como guitarrista del cantante.108
Bowie ingresó en el Salón de la Fama del Rock el 17 de enero de 1996.109 Incorporando elementos de drum and bass, Earthling (1997) fue un éxito comercial en el Reino Unido y Estados Unidos y dos de sus sencillos entraron en el Top 40 en esta primera región. La canción «I'm Afraid of Americans», compuesta para la película de Paul VerhoevenShowgirls fue grabada de nuevo para el álbum y remezclada por Trent Reznor para lanzarla como sencillo. La amplia difusión que tuvo su video promocional contribuyó a que pasara dieciséis semanas en la lista estadounidense Billboard Hot 100. La gira para promocionar el álbum tuvo lugar en Europa y Norteamérica entre junio y noviembre de 1997.110 Bowie se reunió con Visconti en 1998 para grabar «(Safe in This) Sky Life» para The Rugrats Movie. Aunque el tema se editó después del final cut, sería regrabada y lanzada bajo el título de «Safe» como el lado B del sencillo de 2002 «Everyone Says 'Hi'».111 La reunión dio lugar a otras colaboraciones, incluyendo una versión lanzada como sencillo de edición limitada de la canción de Placebo «Without You I'm Nothing», coproducido por Visconti, con las armonías vocales de Bowie añadidas a la grabación original.112 En 1998 Bowie grabó «A Foggy Day (In London Town)» con Angelo Badalamenti para el disco compilatorio de Red Hot OrganizationRed Hot + Rhapsody, un tributo a George Gershwin que recaudó dinero para varias organizaciones caritativas que buscan concientizar sobre la problemática del SIDA y luchar contra la enfermedad.
Bowie creó la banda sonora de Omikron, un videojuego de 1999 en el que Iman y él también figuran como personajes. Su álbum 'Hours...',
lanzado el mismo año, contiene canciones de este proyecto regrabadas y
presenta además una tema de Alex Grant, ganador de un concurso
organizado por Bowie que trataba de encontrar la mejor letra de canción
para un videojuego.113 Haciendo amplio uso de instrumentos en directo, el álbum significó su adiós a la música electrónica.114 En el 2000 comenzaron las sesiones para el planeado Toy, en el que se intentaba presentar nuevas versiones
de sus primeras canciones, pero el álbum nunca llegó a salir al
mercado. Bowie y Visconti continuaron sus colaboraciones, en producción
de un nuevo álbum con canciones totalmente originales: Heathen, de 2002.115 Alexandra Zahra Jones, hija de Bowie e Iman, nació el 15 de agosto de ese año.116
En octubre de 2001, Bowie abrió el concierto para la Ciudad de Nueva York, un evento de caridad organizado para ayudar a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre, con una interpretación minimalista de la canción de Simon & Garfunkel «America», seguida de una interpretación con banda completa de «Heroes».117 En 2002 se lanzó Heathen y durante la segunda mitad del año Bowie comenzó su gira Heathen Tour. Abarcando Europa y Norteamérica, la gira comenzó en el festival londinense Meltdown,
en el que el cantante había sido elegido director artístico. Entre las
actuaciones que seleccionó para participar en el espectáculo estaban Phillip Glass, Television y The Polyphonic Spree. Además de presentarse canciones del nuevo álbum, en la gira también se interpretaron canciones de su etapa de Low.118 Después, se publicó Reality, al que le siguió una gira promocional, A Reality Tour, que abarcó Europa, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia y Japón.119
Se estima que tuvo una asistencia total de más de 7 000 000 de
personas, siendo la gira con más beneficios de la primera mitad de 2004.120 Durante un concierto en Oslo,
Bowie fue herido en un ojo por una piruleta arrojada por un fanático;
una semana más tarde sintió dolor en el pecho mientras tocaba en el festival Hurricane en Scheeßel, Alemania. Originalmente se creía que era un nervioinflamado, pero más tarde se le diagnosticó una arteria taponada, que requirió una angioplastia de emergencia en Hamburgo. Las catorce fechas de la gira restantes fueron canceladas.121
Bowie en 2009 con su hijo Duncan Jones en la première de su debut como director, Moon.
Mientras se recuperaba de la cirugía, Bowie redujo sus presentaciones
por primera vez en varios años, haciendo breves apariciones en el
escenario y en el estudio. Cantó a dúo con Butterfly Boucher de su canción «Changes» para la película animada Shrek 2, de 2004.122 Durante un relativamente tranquilo 2005, grabó las partes vocales de «(She Can) Do That», co escrita con Brian Transeau para el filme Stealth.123 Regresó a los escenarios el 8 de septiembre de 2005, presentándose con Arcade Fire para el evento Fashion Rocks, televisado nacionalmente en los Estados Unidos, y tocó con la banda canadiense por segunda vez durante la CMJ Music Marathon.124 Contribuyó en los coros de la canción de TV on the Radio «Province» para su álbum Return to Cookie Mountain, hizo un comercial con Snoop Dogg para XM Satellite Radio y se juntó con Lou Reed para una colaboración en el álbum No Balance Palace (2005) de la banda danesa Kashmir.125126127
Bowie durante una presentación en Chicago en 2002.
Bowie recibió un premio Grammy al logro de toda una vida el 8 de febrero de 2006.128 En abril, anunció: «Me tomaré un año sabático, no saldré de gira, no grabaré álbumes».129 Hizo una presentación sorpresiva como invitado en el concierto de David Gilmour el 29 de mayo en el Royal Albert Hall. Se grabó el evento y una selección de canciones en las que habían colaborado fueron subsecuentemente lanzadas.130 Volvió a tocar en directo en noviembre junto a Alicia Keys en el Black Ball, un evento caritativo que tuvo lugar en Nueva York a befeficio de Keep a Child Alive.131
Bowie fue elegido como coadjutor en el festival de 2007 High Line, donde seleccionó artistas para este evento en Manhattan, y trabajó junto a Scarlett Johansson en el álbum de versiones de canciones de Tom WaitsAnywhere I Lay My Head.132133
En 2009, para celebrar el cuadragésimo aniversario de la llegada del
hombre a la luna por primera vez en julio de 1969 (también aniversario
del lanzamiento de «Space Oddity») EMI puso a la venta las pistas de la
grabación grabadas en ocho pistas y creó un concurso con el fin de crear una remezcla.134 En enero de 2010, se puso a la venta un álbum doble en el que se recopiló material de su gira de 2003, llamado A Reality Tour.135
A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet Toy, un disco nunca publicado de 2001 que contiene material usado para Heathen y la mayoría de sus caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo.136137
En inicios de 2013, presentó The Next Day138 , para el cual se escogió como primer sencillo Where Are We Now?.
El vídeo, a manera de corto y filmado por Tony Oursler, muestra a Bowie
proyectado sobre una marioneta y mezcla imagenes de un estudio. Luego
se presentó el segundo sencillo "The Stars (Are Out Tonight)" con un
video promocional dirigido por Floria Sigismondi interpretado por Tilda Swinton y Andrej Pejic. The Next Day salió a la venta el 12 de marzo, viene a ser su
trigésimo álbum en toda su carrera musical, y con éste, termina el
descanso de diez años en cuanto a producciones de estudio se refieren. A
pesar de que anunció ya no estar interesado en giras mundiales, Bowie
dará algunos conciertos excepcionales en Estados Unidos en mayo de 2013 y
visitará a España el 26 de junio de 2013.
El biógrafo David Buckley observó: «La esencia de la contribución de
Bowie a la música popular se encuentra en su sobresaliente habilidad
para analizar y seleccionar ideas fuera de la música -del arte, la
literatura, el teatro y el cine- e incorporarlas a ésta; de este modo,
el pop se actualiza constantemente».139 Además, expresó: «Sólo una persona llevó el glam rock a nuevas y enrarecidas alturas e inventó personajes dentro del pop, uniendo el teatro y la música popular en un poderoso todo sin costuras».140
La carrera de Bowie también estuvo marcada por muchos papeles en
producciones teatrales y cinematográficas, ganando cierto prestigio como
actor en su propio derecho.
Los comienzos de su carrera actoral anteceden su éxito como músico. Habiendo estudiado teatrovanguardista y el arte del mimo bajo la dirección de Lindsay Kemp, actuó en el papel de Cloud en la producción de Kemp de 1967 Pierrot in Turquoise (convertida posteriormente en la película de televisión de 1970 The Looking Glass Murders).141 En el cortometraje en blanco y negroThe Image, encarnó a un niño fantasma que emerge de un cuadro de un pintor bastante turbado para embrujarlo.142 El mismo año, apareció como extra en la película basada en la novela cómica de 1966 The Virgin Soldiers.142
En 1976, ganó prestigio por su primer papel protagónico, encarnando a
Thomas Jerome Newton, un extraterrestre de un planeta en vías de
extinción en El hombre que vino de las estrellas, dirigida por Nic Roeg. En Just a Gigolo, una producción anglo-germana dirigida por David Hemming, Bowie actuó en el papel protagónico del oficial prusiano Paul von Pryzgodski, quien, regresando de la Primera Guerra Mundial, es descubierto por una baronesa (Marlene Dietrich) y se convierte en uno de sus gigolós.
Bowie también trabajó en la producción teatral de BroadwayThe Elephant Man, y recibió alabanzas por su expresiva interpretación. Interpretó su papel 157 veces entre 1980 y 1981.86 En la película Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo, un filme biográfico de 1981 que describe la drogadicción de una joven en el oeste de Berlín, Bowie aparece en un cameo, interpretándose a sí mismo dando un concierto en Alemania. En su banda sonora, Christiane F. (1981) figura mucho material de sus discos de «Berlin Trilogy».143 Bowie figuró también en El ansia (1983), una película de vampiros con Catherine Deneuve y Susan Sarandon. En el filme de Nagisha Oshima del mismo año, Feliz Navidad, Mr. Lawrence, basada en la novela de Laurens van der PostThe Seed and the Sower, Bowie personificó a Jack Celliers, un prisionero de guerra en un campo de internamiento japonés. Otro músico, Ryuichi Sakamoto, interpretó al comandante que se sentía minado por el comportamiento estrafalario de Celliers.144 Después, Bowie tuvo un cameo en Yellowbeard, una comedia de piratas de 1983 creada por los miembros de Monty Python y un pequeño papel como Colin, el sicario en la película de 1985 Into the Night. Sin embargo, declinó interpretar al villano Max Zorin en la película de James Bond de 1985 A View to a Kill.145 Absoulte Beginners (1986), un musical de rock basado en la novela de Colin MacInne
de 1959 sobre la vida en Londres, cuenta con la música de Bowie y él
mismo interpreta un papel menor en ella. En el mismo año, actuó en Labyrinth, en el rol de Jareth, el rey de los goblins.146 Dos años más tarde, actuó en el papel de Poncio Pilatos en la película de Martin ScorseseLa última tentación de Cristo. Bowie encarnó a un descontento empleado de restaurante, junto a Rosanna Arquette en The Linguini Incident (1991) y al misterioso agente del FBI Phillip Jeffries en la película de David LynchTwin Peaks: Fire Walk with Me (1992). Interpretó un pequeño pero fundamental papel como Andy Warhol en Basquiat (1996), una película biográfica sobre Jean-Michel Basquiat dirigida por Julian Schnable y participó en spaghetti westernIl Mio West, interpretando al más temido pistolero en la región.147 Encarnó al anciano gánster Bernie en Everybody Loves Sunshine (1999) y figuró en la serie televisiva de terror The Hunger. En Mr Rice's Secret
(2000) interpretó al vecino de un niño de doce años con una enfermedad
terminal y al año siguiente apareció interpretándose a sí mismo en Zoolander. También hizo de sí mismo en un capítulo de la serie Extras escrita y dirigida por Ricky Gervais.
Bowie actuó en el rol de Nikola Tesla, el físico que descubrió la corriente alterna, junto con Christian Bale y Hugh Jackman en The Prestige (2006), un filme de Christopher Nolan basado en la novela epistolar de Cristopher Priest sobre la rivalidad de dos magos a principios del siglo XX. Dio voz al villano Maltazard en la película animada Arthur y los Minimoys, como así a un personaje en el telefilme SpongeBob's Atlantis SquarePantis. En el filme de 2008 August, dirigido por Austin Chick, obtuvo un papel secundario como Ogilvie y trabajó junto a Josh Harnett y Rip Torn, con quien había colaborado en El hombre que vino de las estrellas.148149
Orientación sexual
Buckley escribió: «Si Ziggy confundió tanto a su creador como a su
público, gran parte de esa confusión se centró en el tema de la
sexualidad».150 Bowie se declaró bisexual en una entrevista con Melody Maker de la edición de dicha revista del 22 enero de 1972,151 movimiento que coincidió con el inicio de su campaña al estrellato como Ziggy Stardust.44 En una entrevista realizada en septiembre de 1976 para Playboy,
Bowie dijo: «Es cierto, soy bisexual, pero no puedo negar que he
utilizado este hecho muy bien. Supongo que es lo mejor que me ha
pasado».152
En una entrevista de 1983 con la revista Rolling Stone, Bowie dijo que la declaración pública de su bisexualidad fue «el mayor error que he cometido»,153 mientras que en otras ocasiones ha dicho que su interés por la cultura homosexual
y bisexual ha sido más un producto de los tiempos y de la situación en
que se encontraba que de sus propios sentimientos; según fue descrito
por Buckley, Bowie dijo que había sido guiado más por «una compulsión
por burlar los códigos morales que por un verdadero estado biológico y
psicológico del ser».154 Blender
lo interrogó en 2002, sobre si todavía creía que su declaración pública
fue el error más grande que jamás había cometido y Bowie contestó:
«Interesante. [larga pausa] No creo que fuera un error en Europa, pero fue mucho más difícil en los Estados Unidos.
No tenía ningún problema con que la gente supiera que era bisexual.
Pero no tenía ganas de portar ningún estandarte o ser el representante
de ningún grupo de personas. Yo sabía lo que quería ser, compositor e
intérprete, y sentí que la bisexualidad se convirtió en el titular desde
ese momento y por largo tiempo. Estados Unidos es un lugar muy puritano
y creo que esto se interpuso en el camino de muchas cosas que quería
hacer».155
Buckley opinaba sobre este periodo en la vida de Bowie: «Un rompe
tabúes y un diletante [...] juega con la intriga sexual por su capacidad
de sobresaltar»,156
y que «probablemente sea cierto que Bowie nunca fue gay, ni siquiera
activa y consistentemente bisexual [...] lo hizo, de vez en cuando, como
un experimento, aunque sólo fuera por un sentido de curiosidad y una
alianza genuina con la "transgresión"».157
El biógrafo Christopher Sandford dice que, de acuerdo con Mary
Finnigan, con quien Bowie tuvo un romance en 1969, el cantante y su
primera esposa Angie «vivían en un mundo de fantasía [...] y crearon sus
fantasías bisexuales».158
Sandford cuenta cómo, durante el matrimonio, Bowie «hizo un fetiche
positivo de repetir la ocurrencia de que él y su esposa se habían
conocido "jodiendo al mismo hombre". [...] El sexo gay
fue siempre una cuestión anecdótica y graciosa. Los gustos reales de
Bowie se inclinaban hacia otro lado evidentemente, a partir de un
recuento parcial de sus romances con mujeres».158
En la biografía David Bowie - A Biography, escrita por Marc Spitz
y lanzada en 2009, Spitz revela que Bowie mantuvo muchas experiencias
homosexuales en su adolescencia, citando una frase que dijo Bowie en una
entrevista a Playboy en 1976: «Cuando tenía 14 años, el sexo de
repente comenzó a ser muy importante. Realmente no importaba con quien
fuese, siempre y cuando fuese un encuentro sexual. Así que a veces era
un chico guapo de clase de un colegio u otro que me llevaba a casa y me
follaba en mi cama de arriba.»152159 Pero el biógrafo también recalca que sus comentarios públicos sobre el sexo no tenían otro propósito que no fuese hacer marketing y así recibir más atención a su obra «transgresora».160
Estilo musical
Voz e instrumentación
Hombre de muchas voces, Bowie, a partir de la época de sus
grabaciones iniciales en la década de 1960, ha ejecutado una amplia
variedad de estilos musicales. Sus primeras composiciones e
interpretaciones estuvieron fuertemente influidas no sólo por
rockanroleros como Little Richard y Elvis Presley, sino también por el amplio mundo del espectáculo. Particularmente se esforzó en emular al compositor, cantante de comedia musical y actorbritánicoAnthony Newley, cuyo estilo vocal adoptaba con frecuencia, y que empleó prominentemente en su lanzamiento debut de 1967, David Bowie (para disgusto del mismo Newley, que destruyó la copia que recibió del editor de Bowie).23161 La fascinación de Bowie por el music hall siguió emergiendo esporádicamente junto a diversos estilos como el hard rock y el heavy metal, el soul, el psychedelic folk y el pop.162
La guitarra de Bowie en el Hard Rock Café de Varsovia.
El musicólogo James Perone observa el empleo de Bowie de cambios de octava para diferentes repeticiones de la misma melodía, ejemplificado en el sencillo comercialmente sobresaliente «Space Oddity», y más tarde en la canción «Heroes»,
para ejercer un efecto dramático; Perone nota que «en la parte más baja
de su registro vocal [...] su voz tiene una riqueza casi parecida a la
de un crooner».163
El instructor de voz Jo Thompson describe la técnica del vibrato vocal de Bowie como «particularmente deliberada y distintiva».164
Schinder y Schwartz lo describen como «un cantante de una
extraordinaria capacidad técnica, capaz de entonar para un efecto en
particular».165 Aquí también, como en su técnica escénica y composición, la naturaleza camaleónica del cantante es evidente: el historiográfo
Michael Campbell dice que la lírica de Bowie «detiene nuestro oído, sin
duda. Pero Bowie continuamente cambia de persona a persona a la forma
de entregarla [...]. Su voz cambia dramáticamente de sección a sección».166
Bowie es multiinstrumentista, toca entre otros guitarras eléctrica, acústica y de doce cuerdas, saxofón alto, tenor y barítono, teclados, piano, sintetizadores, mellotron, armónica, stylophone, xilófono, vibráfono, koto, batería, percusión e instrumentos de cuerda como la viola o el violonchelo.167168169170
Composiciones
Las composiciones de Bowie están basadas en letras filosóficas y literarias. Canciones como «The Width of a Circle», «Quicksand» y «The Superman» están influidas por el budismo, el ocultismo, el misticismo y el concepto Übermensch de Friedrich Nietzsche.171172
La primera de ellas, según distintas interpretaciones, alude a un
encuentro sexual con Dios o el Demonio u otro ser sobrenatural en el
Infierno.173174175 Sin duda, las composiciones de su etapa inicial está influidas por la poesía y los escritos de Aleister Crowley, William Hughes Mearns y H. P. Lovecraft,176 y «The Jean Genie» es una referencia a Jean Genet.177
Con estas influencias Bowie creó un mundo nuevo a través de su música. «Oh! You Pretty Things» de Hunky Dory (1971) es un claro ejemplo de ello, utilizando conceptos de ciencia ficción de homo superior de una manera «incuestionablemente gay y burlona».178The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars es otro ejemplo; el álbum trata una historia de ciencia ficción creada por Bowie.179 La canción «Five Years», por ejemplo, habla de forma desesperada sobre el fin del mundo a cinco años vista,180 y es uno de los muchos ejemplos en los que Bowie coquetea con el derrumbe de la sociedad. Diamond Dogs también se centra en una visión postapocalíptica del mundo.181 Posteriormente, Outside, vuelve a retomar en un álbum conceptual con historias y personajes creados por el mismo artista.182Heathen refleja sus impresiones sobre los atentados del 11 de septiembre de 2001, con letras enfocadas en la degradación de la humanidad. Finalmente, en su disco Reality medita sobre su carrera y en la canción que da título al álbum canta: «I've been right and I've been wrong/I look for sense but I get next to nothing/ Hey boy welcome to reality»(«He acertado y me he equivocado / Busco un sentido pero no consigo nada / Bueno, chico bienvenido a la realidad»).183
Legado
Las innovadoras canciones y la puesta en escena de Bowie llevaron una
nueva dimensión a la música popular de la década de 1970, influyendo
sobre sus formas inmediatas y su desarrollo posterior. Pionero del glam
rock, Bowie, según los historiadores de la música Schinder y Schwartz,
es responsable, junto con Marc Bolan, de haber creado el género.184 A la vez, inspiró a los innovadores del movimiento punk.
El historiador de la música Michael Campbell lo llamó «una de [sus]
influencias seminales». Mientras que los músicos de este género
destruyeron las convenciones del estrellato pop, Bowie siguió adelante,
creando un estilo más abstracto que luego se convirtió en una influencia
transformadora. Buckley comentó: «En los tiempos en los que el punk
estaba reclamando la canción pop de tres minutos de duración para
mostrar su rebeldía, Bowie abandonó casi por completo la instrumentación
tradicional del rock».185186 Su discográfica buscó transmitir su originalidad en la música popular con el eslogan: «Está el old wave, está el new wave y está Bowie...».187
El musicólogo James Perone le acredita el haber «brindado sofisticación
al rock» y las reseñas de los críticos frecuentemente reconocen la
profundidad intelectual de su trabajo y su influencia.184188189
Buckley escribió que en un mundo pop de principios de la década de
1970, descrito como «inflado, presumido, revestido de cuero, satisfecho
de sí mismo [...] Bowie cambió las creencias fundamentales dentro del
rock de su tiempo». Como John Peel lo describe: «La característica
fundamental del rock progresivo
de principios de 1970 es que no progresaba. Antes de que Bowie llegara,
la gente no quería demasiados cambios». Buckley dijo que «subvirtió
enteramente el concepto de lo que una estrella de rock debe ser», con el
resultado de que «después de Bowie no hubo ningún ícono pop de su
altura, porque el mundo pop que produce esos dioses del rock ya no
existe. [...] El feroz partidismo del culto a Bowie es también único; su
influencia duró más y fue más creativa que quizás ningún otro ente
dentro del fanatismo del pop». Buckley concluye: «Bowie es una estrella y
un ícono. Su trabajo [...] ha creado quizás la mayor adoración en la
cultura popular. [...] Su influencia ha sido única en la cultura
popular: ha permeado y alterado más vidas que ninguna otra figura
comparable».6
Se incluyó a Bowie en el Salón de la Fama del Rock en 1996.109
Debido a su perpetua reinvención, su influencia continúa ampliándose y
extendiéndose: el crítico musical Brad Flilicky expresó que a lo largo
de las décadas, «Bowie empezó a ser conocido como un camaleón musical,
cambiando y dictando tendencias, alterando su estilo para encajar»,
influyendo sobre la moda y la cultura pop en un grado «sólo equiparable a
Madonna».190
Influencia
Bowie ha influido a muchas bandas y artistas. Pixies comenzaron a tocar juntos después de que Joey Santiago (en la foto) le enseñase su música a Frank Black.
La influencia de Bowie continúa siendo inmensa, musical y socialmente.6191
Por ejemplo, según muchos autores, al incorporar personajes andróginos
como Ziggy Stardust y Aladdin Sane en su etapa de glam rock de los años
1970, que comunicaban un lenguaje sexual, Bowie creó una clase
adolescente independiente al tiempo que ayudaba a movimientos como la liberación gay, aunque sin participar de forma directa en ellas.192 En esa etapa, también ayudó a crear un nuevo tipo de moda en el rock y puestas en escena que todavía se siguen usando.193194 Además, fue votado por más de cien estrellas del pop como el artista con más influencia en ellas en una edición de la revista New Musical Express.191
Musicalmente, sus álbumes han sido muy influyentes. The Man Who Sold the World (1970), por ejemplo, ha sido citado como una influencia para el rock gótico, el dark wave y los elementos de ciencia-ficción de artistas como Siouxsie and the Banshees, The Cure, Gary Numan, John Foxx, Nine Inch Nails y Nirvana.195 En 1993, la banda regrabó «The Man Who Sold the World» para su disco en directo MTV Unplugged in New York. Tras su etapa glam produjo álbumes como Diamond Dogs (1974), cuyas guitarras crudas y sus visiones de caos urbano, niños mendigos y amantes nihilistas han sido citados como una anticipación a la revolución punk de bandas como The Germs y Sex Pistols, que tendría lugar algunos después.196 En 1976 se publicó el alabado álbum Station to Station, descrito como «enormemente influyente sobre el post punk» y que influyó a la banda Magazine.197198 En el año siguiente, "Heroes" (1977) influyó el álbum Double Fantasy (1980) de John Lennon y Yoko Ono.199200
Sus trabajos de la década de 1980, especialmente la canción «Ashes to Ashes» y su video, mostrando la creatividad de Bowie, aportaron la base para un nuevo movimiento musical en ese tiempo, llamado new romantic, influyendo artistas como Blitz Kids, Keanan Duffty y Steve Strange.201202 De hecho, la crítica mencionó que esta canción es considerada el himno de los músicos de este movimiento.203Pixies comenzó en 1986 cuando Joey Santiago mostró a Black Francis la música de Bowie y el punk; luego comenzaron a improvisar juntos.204
La influencia de Bowie continúa hoy en día, pues algunos artistas de
diversos géneros y países han declarado ciertas influencias de él en sus
trabajos. Algunos ejemplos incluyen a Marilyn Manson (de hecho, Bowie es su máxima influencia),205Boy George, Groove Armada (especialmente su álbum Black Light), Spacehog, Neïmo, Arckid, Stacey Q,206Buck-Tick,207Lady Gaga,208All the Pretty Horses (una banda transexual de Minnesota),209
y muchos otros. Como sugiere el biógrafo Thomas Forget: «Debido a que
ha tenido éxito en tan dispares estilos musicales, es casi imposible
encontrar un artista popular que no haya sido influido por David Bowie».210
El primer éxito de Bowie, «Space Oddity» de 1969, le supuso el premio especial Ivor Novello por su originalidad.211 Ganó, por su actuación en la película de ciencia ficción de 1976 El hombre que vino de las estrellas, el premio Saturn en la categoría de mejor actor.212
En las siguientes décadas ha recibido numerosos premios por su música y
sus videos de acompañamiento, recibiendo, entre otros, dos premios Grammy213214 y dos BRIT Awards.215
En 1999, Bowie recibió el grado de Commandeur des Arts et des Lettre otorgado por el gobierno francés.216 Ese mismo año recibió un doctorado honorífico de la Berklee College of Music.217 Sin embargo, rechazó el KBEnota 1 de la Orden del Imperio Británico en 2000 y un título de Caballero en 2003,218 diciendo: «Nunca aceptaré algo así. Realmente no sé para qué sirve. No es por lo que me he pasado la vida trabajando.»219
A lo largo de su carrera ha vendido aproximadamente 136 millones de discos.220
En el Reino Unido ha recibido 9 discos de platino, 11 de oro y 8 de
plata, mientras que en Estados Unidos ha recibido 5 de platino y 7 de
oro.221222 En la encuesta realizada en 2002 por la cadena BBC de 100 Greatest Britons, le situaron en el puesto número 29.220 En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el número 39 de su lista de Los 100 mejores artistas de rock de todos los tiempos223 y en el puesto 23 de los mejores cantantes de todos los tiempos.224 Bowie entró en el Salón de la fama del Rock el 17 de enero de 1996.109
Jump up ↑Caballero Comendador o Dama Comendadora (KBE or DBE) (Knight Commander or Dame Commander) es la segunda orden militar en importancia otorgada por los monarcas británicos desde 1917 y limitada a 845 Caballeros o Damas.
